Una exposición en el Museo de Arte Decorativo hecha exclusivamente de artículos de limpieza

El artista Gaspar Libedinsky presenta su obra retrospectiva titulada “Casa Tomada” en el Museo Nacional de Arte decorativo. “Mi obra como artista está guiada por una serie de ideas fuerza: la transformación de lo ordinario a lo extraordinario, la transformación de lo marginal al objeto de deseo, la creación de lo ‘nuevo’ a partir de la reorganización de lo existente, el obstáculo como potencial”, afirmó.

“Las restricciones deben volverse operativas”, señala Libedinsky en diálogo con PERFIL para quien contar con un edificio como el Museo diseñado en 1911 por el arquitecto René Sergent y poblarlo de su obra hecha de artículos de limpieza representó un desafío estimulante.

“Casa Tomada” intervendrá todas las habitaciones del museo y quienes la visiten se cruzaran, según adelanta el artista, con “criaturas inquietantes que sobrevuelan de forma envolvente y razante en torno a una escultura de la antecámara, un  arrecife monumental de 400 metros cuadrados que ‘tomará’ el Grand Hall, hecho de 100% plástico reciclado”.

En el jardín habrá unas sorprendentes “casas de pájaros”, mientras que en el salón de baile se desplegarán  12 uniformes de trapo que interactuarán con el público.  Los visitantes serán recibidos en el Salón Madame por dos avestruces hechas de plumeros  y en subsuelo los esperará el “carrousel” de bicicletas donde “la unión hace a la fuerza”. La exposición se inaugura el próximo 20 de mayo y podrá visitarse hasta el 14 de agosto.

“Sean todos bienvenidos a ‘Casa Tomada’”

Libedinsky estudió en la Architectural Association (AA) de Londres donde obtuvo un “Bachelor of Arts” y se recibió de Arquitecto y en 1999 fue premiado con el Runner-Up Part 1 Medal del Royal Institute of British Architects (RIBA), el mayor galardón a estudiantes del Reino Unido.

Fue profesor en Harvard, Estados Unidos, en la Architectural Association (AA) y en la Universidad de San Andrés en Buenos Aires. Como artista fue galardonado con la Beca Kuitca/UTDT 2010-11 y su obra ha sido publicada y exhibida internacionalmente.

 -Gaspar ¿Para qué o por qué ser artista?

– El artista es un servidor público esencial, su vitalidad radica en que el artista – o al menos el artista que yo aspiro ser- es alguien que impone una agenda de relevancia cultural, política y social para nuestros tiempos. El artista, entendido como un adjetivo calificativo elevado, debe llegar siempre antes. Debe ver ‘las cosas’ antes que los demás. La coyuntura resignifica perpetuamente el trabajo del artista, pero nunca lo impone. El artista debe ser un cuestionador del status quo, de todo, incluso de su propia obra. Es por ello que en mi taller tras elaborar un lenguaje artístico y compartirlo con el público, se patea el tablero y se comienza a elaborar un nuevo lenguaje. El artista es también un buscador de la verdad: la verdad filosófica, conceptual, material y técnica. La obra debe ser franca para ser obra. Para lograr su función social, trabajo por lograr que la primera relación de la obra con el espectador sea emocional, y por ende, apta todo público. Mi trabajo se aleja del de aquellos artistas cuya obra es encriptada, solo disponible para supuestos ‘entendidos’. Sin embargo, mientras que la primera relación es desintelectualizada, como la atracción de un niño hacia un globo, la obra posee múltiples capas de profundidad y una de esas capas siempre tiene un claro posicionamiento político. La capa política nunca debe estar delante de todo.  Eso condiciona al espectador a tomar posición según sus ideas pre-establecidas, dividiendo aguas y acortando la experiencia de la obra. El artista debe hacer que el espectador vea lo político del escobillón, del trapo de piso, del plumero, en definitiva de los elementos cotidianos cuya percepción cambiamos a través del arte.

– ¿Qué o quiénes te inspiran?

-Mi obra se centra en la observación directa del mundo que nos rodea, mediando entre la escala urbana y la intimidad del cuerpo. Trabajando para el estudio de Diller Scofidio + Renfro como diseñador del parque High Line de Nueva York  tuve la oportunidad de aplicar mis ideas fuerza a escala urbana: tuve que trabajar sobre la percepción de políticos, vecinos y desarrolladores inmobiliarios -que querían la demolición de la estructura- para que visualicen que ese viaducto elevado abandonado no era un obstáculo para el desarrollo de la ciudad sino todo lo contrario: su principal potencial. El High Line pasó de ser una infraestructura marginal a un objeto de deseo. Se transformó lo ordinario en extraordinario. Entendiendo a mi formación profesional como principal fuente de inspiración quisiera destacar a mis grandes Maestros: Rem Koolhass (OMA) para quién trabaje en Rotterdam (Holanda) y logré ingresar como pasante a mis 20 años exhibiendo mis habilidades como uno de los primeros malabaristas callejeros de Buenos Aires.  Liz Diller (Diller Scofidio + Renfro) para quien trabajé en Nueva York en el diseño del parque High Line, la obra más icónica e influyente de Manhattan desde la invención del rascacielos y Guillermo Kuitca, con quién tuve el enorme privilegio de tenerlo como guía y consultor durante la Beca Kuitca/UTDT (2010-2011) en lo que es el programa para artistas más prestigioso de la Argentina. Estos Maestros marcaron mi ética de trabajo centrada en hacer avanzar las disciplinas del arte y la arquitectura al tiempo de redefinir los límites de las mismas. A estas ambiciones se le suma algo fundamental: realizarlas dejando un impacto social positivo.

– ¿Sos optimista respecto a la humanidad?

– Claramente si uno mira la coyuntura actual no pareciera haber mucho lugar para el optimismo. Sin embargo uno puede centrarse en un gran abanico de certezas que quedan de manifiesto cuando el árbol no tapa el bosque. El empoderamiento del individuo para operar colectivamente a través de redes sociales es una herramienta esencial que pone en jaque el status quo del poder tradicional. Asimismo, el mundo tiene numerosos casos de países exitosos para ser tomados como ejemplo para replicar esas virtudes. Es decir, las soluciones ya fueron inventadas. Solo resta aplicarlas.

– ¿Con que nos encontraremos en tu próxima exhibición “Casa Tomada”?

-Se trata de una muestra retrospectiva que recorre mi producción artística desde 2010 a 2022. Las obras toman por completo el palacio al tiempo que establecen diálogos y complicidades con el acervo artístico, decorativo y arquitectónico del museo. Sean todos bienvenidos a “Casa Tomada”.